Tranquillo, non intendo tornare sull'annosa querelle se sia meglio l'analogico o il digitale. O forse si. Sarà che ho appena acquistato a poco prezzo una mitica Olympus OM2n (ho già la OM1n) - ovviamente a pellicola - e dunque sono entrato in modalità "grano d'argento", però ci sono alcune riflessioni che mi ronzano in testa e oggi mi sembra il giorno giusto per parlarne brevemente qui, tra amici.

Allora: la foto sopra (realizzata con una Nikkormat EL del '72) - che fa parte del mio progetto analogico diventato il libro  "Una Momentanea Eternità" - è la versione digitalizzata di un negativo, com'è ovvio. Tuttavia l'originale (il negativo) rimane in archivio ed è qualcosa di concreto, composto da granuli di argento annerito (semplifico per capirci). Lo posso toccare, maneggiare (con cura, altrimenti si graffia, in effetti), riprodurre ancora con molte tecniche diverse, stamparlo con una stampante inkjet ma anche sotto l'ingranditore. Vabbe', queste son cose che sai bene anche tu.

A me preme solo sottolineare la parola "concretezza": il negativo esiste, ha corpo, spessore, materia. Lo vedi e lo tocchi, a prescindere dalla foto che ci sta sopra.

Ora, questa qui sopra è invece una fotografia digitale, e anche realizzata con uno smartphone, tié!
E uno potrebbe dire che in effetti è molto più nitida, netta, definita, poi è anche a colori: insomma è meglio. Certo, non ha "sostanza" né concretezza, ma potremmo del tutto fregarcene, visto che quel che conta è il risultato, e su questo non ci piove proprio. Io uso il digitale (e anche lo smartphone) senza il minimo senso di colpa, anzi con gran piacere e convinzione, esattamente come mi piace sentire il "clack" della Nikkormat a pellicola. Son piaceri diversi e non c'è motivo di privarsi di uno o dell'altro.

E anche questo lo penserai pure tu, e non sto certo dicendo nulla di nuovo. Il fatto è che mi è capitato di trovare un piccolo software chiamato Free File Viewer Pro che permette di aprire qualsiasi tipo di file, ma soprattutto di vederlo anche in formato HEX (esadecimale). Insomma, è come far cadere il velo di Maja davanti alla fotografia.

​La stessa foto sopra diventa questa cosa qui sotto, se aperta in HEX.

Io ho sempre scritto che una foto digitale in fondo non è altro che un "grumo di pixel", ma rendersi conto che alla fine la nostra bella foto colorata, nitida e precisa non è altro che puro e semplice codice numerico, beh, un po' mi ha dato da pensare! In effetti, scrivendo dei numeri a caso, potremmo ottenere anche una foto decente, chissà!

Conosci il paradosso della scimmia e della macchina da scrivere? Se diamo una macchina da scrivere (o un PC con software di scrittura) a una scimmia, e quella inizia a battere a caso i tasti, secondo il calcolo delle probabilità potrebbe anche riuscire a scrivere, che so, la Divina Commedia.
Ecco, se battesse a caso dei numeri e con un apposito software li convertissimo in codice HEX, magari ne viene fuori una bella foto, anche se non ci sarebbe mai stato un accidente di scatto, di ripresa dal vivo. Angosciante, eh?

Ma questa è la vera natura del digitale, e se uno ci pensa bene su non c'è nulla di male, anzi. I numeri non si degradano, i numeri non si alterano se non hai effettuato per bene il lavaggio del negativo, non sono composti di resina che può anche spezzarsi, o fondersi o chissà cos'altro. I numeri sono solo entità astratte, anche quando li scrivi. Belli, precisi, un po' freddini, magari.

​Fatto sta che da quando ho scoperto 'sta cosa, non riesco a non guardare le mie foto digitali e pensare che in fondo sto condividendo cose del genere.

Questa sopra è la stessa foto di prima quando aperta in formato "Text": perché forse non lo sai, ma le tue belle fotografie digitali non sono altro che numeri, ma anche testo, incomprensibile, ma comunque testo. Certo, diciamolo, il codice testuale e anche quello HEX hanno una loro bellezza. Un artista contemporaneo potrebbe farne delle installazioni niente male. Potrei realizzare un libro in cui pubblicare solo il codice delle foto e così farei la figura dell'intellettuale creativo, del vero artista che rompe con le regole assegnate "a questa parte di universo". Sarebbe un libro della categoria che io definisco "Due Palle", ma anche di questo potrei fregarmene, se mi aprisse le porte del dorato mondo dell'Arte. 

Ora ti aspetterai chissà quale considerazione altamente utile e filosofica, ma resterai deluso, perché in effetti non sono nemmeno io riuscito a comprendere pienamente la strana sensazione che mi fa vedere una foto digitale "per come è davvero". Da un lato mi affascina, dall'altro mi inquieta. 

Magari hai voglia tu, qui sotto nei commenti, di trovare una degna conclusione. Io, per reazione, intanto ho acquistato la OM2n. Mi sembra già qualcosa!

Detta così, come nel titolo, la faccenda sembra un po' troppo grossa. Solo in condizioni controllate, in studio, possiamo davvero "gestire" la luce, ma all'aria aperta è già un lusso se possiamo almeno riuscire a gestire bene l'esposizione. 

Ci pensavo proprio qualche giorno fa durante l'uscita fotografica del 2020, effettuata in un insediamento rupestre qui, nei dintorni della mia città. In casi come questo è vero che siamo "all'aria aperta" (in senso lato), però di fatto possiamo gestire l'intera situazione come fossimo in studio. Siamo delle "divinità della luce", novelli stregoni possiamo gestirla come vogliamo. 

Come puoi intuire, la situazione ripresa presentava una gamma piuttosto ampia di illuminazioni, dal quasi buio dei due ambienti affiancati sino alle alte luci delle pareti che affacciano verso l'ingresso all'ipogeo, sulla destra.Analizzare la scena quasi punto per punto, anche strumentalmente con un esposimetro "spot", per comprendere per bene la gamma di luminosità del nostro soggetto è ovviamente importantissimo, anche senza scomodare il Sistema Zonale di Ansel Adams.

Con tutta la buona volontà, non era facile evitare di "pelare" le alte luci e nel contempo mantenere leggibili le aree in ombra. Questo perché il tempo necessario a illuminare per bene le aree buie (con un faretto led) faceva a pugni con i tempi di esposizione richiesti dall'area del tramezzo centrale, illuminato dalla luce proveniente dall'esterno.

Oltre a ridurre il contrasto col citato faretto, ho accuratamente calcolato l'esposizione, spingendo le alteluci al limite, senza che le ombre si chiudessero al punto che, in postproduzione, diventasse impossibile aprirle un po'. Grazie al formato RAW la possibilità di recuperarle entrambe. Come vedi, ha funzionato. Insomma abbiamo il controllo, ma non totale.

In altre situazioni sono ricorso alla tecnica di combinare due scatti, uno per le luci e uno per le ombre (ovviamente tenendo la fotocamera sul treppiedi) ma stavolta non è stato necessario. Mi piaceva condividere questa esperienza perché nel tempo vorrei postare appunto degli esempi di "analisi esposimetrica" non ipotetici, ma reali.

Noi fotografi dobbiamo saperci adattare alle situazioni che incontriamo, e visto che l'esposizione è una delle armi a nostra disposizione per tornare a casa con una foto ben fatta, approfondire questo aspetto credo possa essere interessante.

Visto che mi trovavo nell'ipogeo anche per realizzare delle foto analogiche, ho dovuto affrontare un simile problema esposimetrico anche con la fotocamera che avevo con me, decisamente atipica: una toy camera di plastica (anche la lente singola dell'obiettivo è di plastica) la Snapsights - che utilizza pellicole 35mm -  a cui ho eliminato l'otturatore - che permetteva di scattare con un singolo tempo,  veloce - per sostituirlo con una semplice levetta di metallo che permette di aprire e chiudere l'obiettivo, in modo da avere sempre e solo la "posa B". 

La qualità è ovviamente relativa (d'altra parte la utilizzo per questo), ma qui è aumentata dal fatto che - come la foto digitale precedente- è una panoramica di tre scatti montati digitalmente con la tecnica dello "stitching".

Il tempo di scatto, in queste situazioni, con la pellicola Fomapan 100, è difficile da stabilire visto l'errore di non reciprocità e l'illuminazione artificiale che aggiungo, ma in genere tengo aperto l'otturatore per circa 30 secondi, che utilizzo per "pennellare" la scena con la mia torcia led. 

Ora, questo non era certamente un "test", ma comunque è evidente che il digitale - pur avendo formalmente una latitudine più ristretta della pellicola, almeno nel formato APS-C - grazie alle tecniche di ripresa e alla possibilità di vedere immediatamente il risultato e dunque di porre rimedio a eventuali errori, al dunque si comporta meglio della pellicola, in queste situazioni.

I profeti di sventura hanno previsto da tempo la fine dei CD e dei DVD: non nel senso che usciranno dal mercato (questo è già praticamente successo) quanto per il fatto che i dati in essi immagazzinati andranno perduti, perché il disco tende inevitabilmente a degradarsi.

Imitare o addirittura copiare le foto – e le tecniche – impiegate dai grandi autori è un esercizio preziosissimo se li si vuol comprendere davvero. Ovviamente, si tratta di un’attività didattica, ma nulla vieta che, sperimentando sull’imitazione, non si scoprano tecniche che ci torneranno utili successivamente, in modo più consapevole.

Per questo, sebbene sia un amante dell'analogico e i trucchetti digitali non mi piacciano molto, ti propongo - come esercizio - di prendere una tua fotografia e di trasformarla in una fotografia di gusto pittorialista. Non è necessario che il tema della foto sia legato ai gusti ottocenteschi: la fotografia può anche essere moderna nel contenuto, a noi interessa la forma.

Quali sono le principali caratteristiche (medie) di una foto pittorialista? Potrai scoprirle da solo, ma in linea generale ce ne sono alcune evidenti: il basso contrasto, a volte un leggero sfocato, la diffusione delle alteluci, la vignettatura e spesso il viraggio, o seppia (selenio) o al platino, oro o altri materiali nobili, che prolungavano la durata delle stampe. Il più delle volte noterai che le stampe hanno tonalità sul seppia e, meno frequentemente, azzurre-ciano, comunque fredde, magari accompagnate da un colore di fondo (della carta) giallognolo: il cosiddetto “split toning” serve appunto a imitare questa caratteristica.Le stampe presentavano in genere una certa vignettatura, una tecnica classica della fotografia in generale, di quella in bianco e nero in particolare (la usava a volte anche Ansel Adams, per dire).
 
Ma non è un difetto? Se non è voluta, sicuramente si, ma quando introdotta ad arte nell’immagine serve a concentrare ancor più l’attenzione sulla scena, a creare una sorta di leggera cornice intorno al soggetto.
 
Proprio perché molto amata dai pittoralisti (che a volte però se la ritrovavano sulle foto perché gli obiettivi dell’epoca avevano una naturale caduta di luce – e qualità – ai bordi) la vignettatura è utile se si vuol creare un’atmosfera “vintage”. Ti ricordo che la vignettatura può anche essere chiara, sfumando verso il bianco: era molto utilizzata nei ritratti, ad esempio.
 
Con Lightroom e gli altri software è facilissimo aggiungere una vignettatura, In pratica si crea una selezione ovale, si inverte e si sfuma la selezione, e infine si scurisce leggermente. In LR esiste un comando apposito per creare la selezione.

Ed ecco qui sotto la foto trasformata completamente, quasi l’avessimo trovata in cantina tra le gli impicci del nostro bisnonno. Rovinata, graffiata, con distacchi della superficie sensibile ma ancora leggibile. Intrigante, non trovi?

C’è tutto un proliferare di questo tipo di fotografie, specialmente online, ma considera una cosa: non è la tecnica a essere “creativa” oppure “giusta” o “sbagliata”, è l’uso che se  ne fa.
Se dietro una fotografia neopittorialista o postprodotta c’è un’idea forte, ad esempio la voglia di raccontare il passato riproducendone i simboli, tutto è legittimo e accettabile.
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Se invece l’applicazione di queste tecniche è fine a se stessa e serve solo ad attirare l’attenzione, allora di certo i risultati saranno stucchevoli. Sta a te decidere.