Diciamolo: il problema di Salgado è che fa foto troppo belle. Davvero. Può diventare un problema, anche dal punto di vista dell'allestimento. Pian piano ci si ritrova a sovraccaricare lo spettatore, anche un po' a ripetersi, a ribadire più volte lo stesso concetto. Potremmo affermare che al dunque - come in Genesis - l'impressione che ho avuto visitando la mostra, a parte una grande gioia per lo sguardo, è un editing molto "lasco" e un eccesso di stimoli. Complice la disposizione delle foto, in breve si perde anche l'ordine con cui sono disposte (e numerate), perciò si finisce per guardarle in modo sparso e casuale: poco male, ma comunque il senso dell'editing si perde.

Ma appunto la riflessione che più volte mi è venuta guardando la parte visivamente preponderante della mostra "Amazonia" (al MAXXI di Roma sino al 13 febbraio) è: se hai già due o tre foto efficacissime (belle, possiamo anche dirlo), a che serve aggiungerne altrettante, simili ma chiaramente di livello inferiore? O addirittura tener dentro delle foto con orizzonti storti o poco nitide?
​
Inoltre la presenza costante della musica di Jean-Michel Jarre un po' mi disturbava, ma davvero qui siamo nei gusti personali. 

Debbo a questo punto fare necessariamente riferimento alla mostra di Koudelka sulle aree archeologiche del Mediterraneo, che mi ha anche attirato qualche strale dagli amanti del fotografo ceco "a prescindere": essere un grande fotografo non significa saper fare tutto allo stesso modo, allo stesso livello. Ora, io credo che un fotografo di "people" (per usare un termine generico) non necessariamente sia in grado di realizzare foto di paesaggio efficaci. E viceversa.

Quello che rende unico e grande Salgado (ma anche Koudelka) non è solo la sua capacità strettamente fotografica (indiscutibile, sebbene tecnicamente non ineccepibile, ma chi se ne frega), bensì un dono raro, anzi rarissimo: l'empatia. Salgado diventa parte dei popoli e dei gruppi umani che fotografa e come racconta nel documentario "Il sale della Terra", questo lo ha spesso devastato.

Non è un fotografo distaccato come certi reporter d'assalto, nemmeno è un fotografo "embedded" come si dice oggi: è un uomo che si unisce ad altri uomini diventando parte di una comunità e racconta la loro storia. Per questo le sue foto dell'Africa, delle guerre, delle lotte per la terra, del lavoro umiliante sono così potenti: non perché sono "belle" (la critica che torna ripetutamente quando si parla di lui e che io reputo ingiusta) ma perché ti avvolgono, ti "portano dentro", ti scuotono dal tuo torpore. Pochissimi fotografi hanno saputo farlo con la sua potenza, nemmeno il primo McCurry (stendiamo un velo pietoso sui lavori recenti) ha saputo raggiungere simili livelli.

Questo fa di Salgado il maestro che indiscutibilmente è.

Possiamo pensare a fotografi che abbiano avuto un approccio simile con il paesaggio? Certamente, ce ne sono tanti, a cominciare da solito Ansel Adams, o a Weston e così via. Ma la capacità di entrare in comunicazione e in empatia con i luoghi, con il paesaggio, di rado corrisponde a una simile capacità verso le persone, e non a caso si pensa a loro come "paesaggisti", sebbene abbiano anche fotografato persone.

Mi viene in mente un solo caso di fotografo altrettanto abile sia con il paesaggio sia con la gente: Walker Evans, ma comunque è una rarità. Lo stesso Ghirri, che a Evans si ispirava, riusciva a tirar fuori l'anima dai luoghi, ma non certo a essere così empatico quando si trattava della "gente". 

Che cosa voglio dire? Beh, che Salgado con il paesaggio riesce a essere un bravo fotografo, ma sinceramente "non è Salgado". Le foto aeree (forse troppe) appaiono giocoforza particolari e spettacolari, tuttavia è evidente che un bravo paesaggista saprebbe fare altrettanto, in quelle condizioni e con quei mezzi.

Chi ha avuto modo di vedere il documentario della BBC "Earth", nella puntata in cui si mostravano i "tepui" amazzonici con le loro cascate, avrà visto scene simili e altrettanto spettacolari, se non di più.

Per non parlare del fatto che nella mostra ci sono anche immagini un po' scontate come certi riflessi di nuvole o palme sull'acqua ferma. Sia chiaro: sono foto molto belle, ma spero si capisca quel che intendo dire.

Quando si entra nelle strutture circolari che riproducono le capanne indigene e si ammirano le foto dei nativi (per fortuna non stampate in formato cartellone pubblicitario, ma qui parla il fotografo che odia i grandi formati!), ragazzi, allora si che scatta la sindrome di Stendhal.

Nessun fotografo al mondo, ribadisco nessuno, saprebbe riprendere gli indios come fa Salgado. Non è solo il numero uno: è il solo e unico! Lo vedi negli sguardi dei soggetti, lo vedi nelle loro pose rilassate, nella fiducia che esprimono. Si "porgono" a uno di loro, si porgono a chi gode della loro piena fiducia, che non li tradirà mai, che si batte per i loro diritti. E tu, spettatore, entri in profonda comunicazione con questa gente, ti arrabbi per le ingiustizie che hanno subito (erano 5 milioni ai tempi della conquista del Brasile, oggi sono 370.000: ne vogliamo parlare?), detesti Bolsonaro e quel che rappresenta con tutto te stesso. Per una frazione di secondo entri nella loro comunità. Straordinario. Eccezionale. L'avevo scritto anche ai tempi di Genesis che la parte migliore di quella mostra era quella con gli indios, non posso che ribadirlo e affermarlo con tutta la forza che ho: se andate a vedere la mostra (faticosa, per il gran numero di foto) iniziate dalle foto dei nativi, solo dopo guardatevi quelle dei paesaggi. Penso che dedicare attenzione prevalente al vero Salgado sia meglio, anche invertendo l'ordine imposto dall'allestimento.

Non posso non osservare che ci sono due mostre, una dentro l'altra: presumo sia anche intenzionale. La superficie maggiore (letteralmente, date le dimensioni delle stampe) è dedicata alla descrizione dell'ambiente, al centro c'è la vita dei nativi. Buona idea. Il colpo d'occhio complessivo funziona, l'allestimento è da kolossal, ovviamente sarà costato una fortuna e anche in questo Salgado & Leila sono unici, visto che ben pochi potrebbero smuovere simili risorse economiche.

Ma mentre mi sono sforzato di trovare "difetti" (lo faccio sempre è un mio limite) nelle foto degli Indios senza riuscirci nemmeno un po', ne ho trovate diverse in quelle di paesaggio.

Certo il fatto di stare al buio, con i faretti che illuminano alla perfezione solo la superficie delle stampe per creare un effetto "lightbox", è spettacolare, molto immersivo. Fateci caso: i faretti sono sempre tre (RGB, rosso, verde e blu) in modo che regolando i tre colori si ottiene una luce perfettamente calibrata. Alcune delle foto - come la mia preferita tra quelle di paesaggio, cioè quella qui sotto - avevano però leggere dominanti rosse, come si vede dal confronto con le foto dietro.

Quel che davvero non mi convince - entro in un terreno minato, lo so, ma sappiate che sono solo le mie modeste opinioni - è invece la postproduzione delle foto stesse.

Innanzitutto la voglia di evidenziare sempre e comunque le nuvole e schiarire le parti in ombra porta alla comparsa di aloni sui bordi, segno di maschere non del tutto precise. Non solo: debbo presumere che Salgado, magari anche per evitare il mosso, oltre ad alzare gli ISO abbia anche sottoesposto in più di una occasione. Le foto così schiarite (e parecchio) oltre ad apparire grigiastre in alcuni punti, avevano una strana grana flocculosa, tipica del rumore cromatico, come si vede nel dettaglio di una stampa che pubblico qui sotto.

La gran parte delle foto poi ha una maschera di contrasto (nitidezza) molto evidente (sono "croccanti" come dicono i tecnici), che in alcuni casi porta (sommata con le altre correzioni) a una specie di "effetto HDR". Anche qui può essere una scelta, motivata anche dalle dimensioni delle stampe, chissà.

Sappiamo che non è il fotografo in persona a realizzare queste correzioni (ha un team di professionisti che lo fa per lui), ma credo che comunque abbia supervisionato il tutto. 

Già in altre occasioni aveva sottolineato la sua volontà di mantenere una certa uniformità tra le foto analogiche (ce ne sono diverse tra quelle degli Indios, risalenti alla fine degli anni '90) e quelle digitali, e visto che in Camera Oscura il lavoro di mascheratura non può essere perfetto, il far vedere aloni sui bordi delle aree schiarite potrebbe richiamare il processo di una volta, così come il rumore digitale evoca la grana della pellicola. Ma non mi convince lo stesso, visto che questo tipo di grana è assai diversa, e riconoscibile (almeno a un occhio un minimo esperto).

E' grave? No, certo che no, ma se ingrandisci così tanto le foto e davanti passa un fotografo... noterà la cosa! Ma suppongo che la quasi totalità del pubblico non ci presterà la minima attenzione. Come non noterà nemmeno il fatto che l'azione di schiarire o scurire parti delle immagini porti a strani aloni che personalmente mi disturbano un po'. Lo osservo solo perché qui parliamo di fotografia tra fotografi, ma è ovvio che non si giudica da questo il valore delle foto. Sono mere note tecniche.

Come detto sono buone foto - come erano buone le foto di natura presenti in Genesis - ma non ci "vedo" Salgado, secondo me è solo questo il loro limite. Cerco il pelo nell'uovo? certo che si! Non lo farei se appunto fosse la mostra di qualsiasi altro, ma da quello che reputo uno dei dieci migliori fotografi al mondo (e forse il numero uno) mi aspetto sempre la perfezione, ma capisco che non è di questa terra. 

Ma, visto che invece la perfezione c'è nelle foto degli Indios mi chiedo perché non dare più rilevanza a quell'aspetto, invece che al paesaggio. Ma è una domanda destinata a rimanere senza risposta.

In conclusione: come sono uscito dalla mostra? Estasiato ed entusiasta. La mostra è meravigliosa e merita ogni attenzione e di certo la possiamo definire imperdibile. Le "pecche" che ho voluto sottolineare per completezza dell'informazione nulla tolgono al valore dell'insieme. L'impatto quando si entra è straordinario e le foto degli indios commuovono sino alle lacrime. Salgado è sempre Salgado. Come non amarlo?

Si, lo so che in genere quando si pensa a un artista (fotografo o meno) si pensa a una persona come minimo originale, se non del tutto fuori di testa. Quando si vuol sostenere che una persona è un poco matta si dice: "beh, sai, è un artista...", ruotando il dito indice vicino alla tempia. Ma sono luoghi comuni, soprattutto oggi che gli artisti (fotografi o meno) sono a tutti gli effetti degli imprenditori, con tanto di staff, assistenti e avvocati pronti a difendere il copyright. Nella storia della fotografia, comunque, ci sono stati fotografi diventati famosi per la loro originalità, per l'essere costantemente sopra le righe, poco allineati. Eccone un elenco, necessariamente parziale, con alcuni tra i miei preferiti.

Clarence JohnLaughlin (1905-1985) ispirandosi all’iconografia surrealista, realizzò un’intensa serie di fotografie dei monumenti in decadenza del sud degli USA, soprattutto lungo la valle del Mississippi (“Ghosts along Mississippi” del 1948 è il suo libro più noto). Nato a Lake Charles nel 1905, si trasferì successivamente a New Orleans, assorbendo dall’ambiente circostante quelle atmosfere che poi trasferirà in molte delle sue opere, e in particolare nelle foto di architettura.  Si dedicò infatti a un lungo progetto di ripresa delle antiche ville coloniali e schiaviste (quelle classiche, viste in film come “Via col vento”), che nel dopoguerra, sull’onda della modernizzazione, e della speculazione edilizia (ma forse anche dei sensi di colpa storici) venivano abbattute per far spazio a nuovi edifici. Laughlin percorse gran parte del sud statunitense per fotografarle, ricreando atmosfere davvero gotiche. Morì nel 1985 e si fece seppellire in un cimitero di Parigi, in Francia.

Herbert Bayer (1900-1985) era un artista tedesco piuttosto eclettico: è stato tipografo, grafico pubblicitario, fotografo, pittore, scultore e architetto. Tutte le sue attività artistiche rispecchiano gli ideali del Bauhaus. Ebbe uno stile visivo essenziale e diretto, e utilizzava ampiamente, come i suoi colleghi dell'epoca, il fotomontaggio e l'unione di scritte e fotografie. Fu anche autore di diversi caratteri (font) tipografici. A causa del nazismo, nel 1938 Emigrò negli USA, dove continuò a svolgere la sua attività sino alla morte. Ben prima della nascita di Photoshop, riuscì a creare fotografie visionarie di grande impatto.

El Lissitzky (1890-1941), pseudonimo di Lazar' (o Eliezer) Markovič Lisickij è stato un pittore, fotografo, tipografo architetto e grafico russo. Esponente dell'avanguardia russa, aderì dapprima alla corrente del suprematismo, con l'amico Kazimir Malevič. Successivamente, insieme ad Aleksandr Rodčenko, si diede alla sperimentazione, unendosi al movimento costruttivista. Adoperò le tecniche del fotomontaggio e del collage, molto spesso a scopo propagandistico. Lavorò a pubblicità e manifesti divulgativi per l'Unione Sovietica durante gli anni dei conflitti mondiali. Nel 1921 si recò a Berlino come ambasciatore della cultura dell'URSS nella Germania. Durante quel soggiorno El Lissitzky si dedicò alla grafica, a Berlino inoltre ebbe modo di frequentare diversi artisti come Kurt Schwitters, László Moholy-Nagy e Theo van Doesburg.

John Heartfield (nome d’arte del tedesco Helmut Herzfeld, 1891-1968), come aderente al movimento Dada, si dedicò al fotomontaggio, spesso con fini di propaganda politica: in fondo, anche lui era dovuto scappare dalla Germania a causa del Nazismo. «John Heartfield è uno dei più importanti artisti europei. Lavora in un campo che lui stesso ha creato, quello del fotomontaggio. Attraverso questa nuova forma d'arte esercita una critica sociale», scrisse nel 1949 Bertolt Brecht. Nel 1950 fa rientro in Germania (dell'Est). Le sue immagini sono sorprendentemente moderne, e realizzate con grande maestria: ricordiamoci sempre che siamo ancora ben lontani dall'utilizzo del computer.

Man Ray, nato come Emmanuel Rudnitzky nel 1890 a Filadelfia, è considerato uno dei precursori della fotografia contemporanea. Assieme a Lee Miller sviluppa il metodo della solarizzazione (o meglio “pseudosolarizzazione” o effetto Sabattier); con i suoi “Rayographs” offre spunti importanti anche nella fotografia “cameraless”. Secondo la "tradizione" scoprì la pseudosolarizzazione grazie a un errore: accese la luce in camera oscura prima di aver completato lo sviluppo. Secondo alcuni fu un assistente a provocare il "fattaccio" fortunato. Man Ray fu anche pittore e scultore molto apprezzato. Morì nel 1976.

László Moholy-Nagy (1895-1946) fu tra i primi, insieme a Man Ray, a introdurre l’utilizzo in fotografia del “light-painting”, realizzati spesso con parti riflettenti in movimento. Nasce a Bácsborsód, in Ungheria. Nel 1913 studia legge all'Università di Budapest. Nel 1919, dopo aver raggiunto la laurea in legge, parte per Vienna e nel 1920 si trasferisce a Berlino, dove inizia a creare fotogrammi e collage Dada. Durante una personale dei suoi dipinti a Berlino, l'architetto Walter Gropius rimane tanto impressionato dalle sue opere esposte che lo invita a collaborare al Bauhaus di Weimar, dove si trasferisce nel 1925: vi insegnerà fino al 1928, quando torna a Berlino per concentrarsi sulla scenografia teatrale e cinematografica. Nel 1935 scappa dalla minaccia nazista trasferendosi a Londra, e nel 1937 viene nominato direttore del New Bauhaus a Chicago, che chiude dopo meno di un anno. Poco dopo Moholy Nagy fonda la propria School of Design a Chicago (1938) e nel 1940 organizza i primi corsi estivi nell'Illinois. Nel 1941 entra a far parte del gruppo degli American Abstract Artists diventando nel 1944 cittadino americano a tutti gli effetti. Muore il 24 novembre 1946 a Chicago.

Gjon Mili, fotografo di origini albanesi, emigò negli anni ‘30 negli USA, diventando nel 1937 assistente del professor Harold Edgerton, tra i primi ad usare la fotografia stroboscopica per fermare l’istante (come la goccia di latte che crea una mini-eruzione, o la pallottola che attraversa un mazzo di carte). Gjon Mili si rese subito conto delle possibilità espressive di questa tecnica, utilizzata sino ad allora a scopi scientifici, creando foto sorprendenti, diventando in breve uno dei fotografi americani più noti al mondo, anche considerando che siamo negli anni ‘40, e il mondo ha ben altro per la testa. Nel 1949 Mili fotografò Picasso in una celeberrima serie di “pitture di luce”, in cui davvero fotografia e pittura si toccano, almeno per un istante.

Jerry Uelsmann, nato a Detroit nel 1934, racconta nelle sue foto un magico mondo di pura fantasia, sebbene solidamente radicato nel reale. Uelsmann è certamente un amante delle favole. E’ considerato il più abile manipolatore di immagini fotografiche dell’era pre-photoshop, in grado di unire diversi negativi – come facevano i Pittorialisti - ma con finalità assai diverse. Le foto di Uelsmann appaiono chiaramente “false”, ispirate alla pittura surrealista, e suggeriscono un approccio diverso alla realtà, e in tal modo fanno riflettere sul concetto stesso di “realtà” che ognuno di noi da per scontato.

Duane Michals, nato a McKesport, in Pennsylvania nel 1932, è considerato tra gli iniziatori di una nuova tendenza nelle arti visive: l’Arte Concettuale o Narrative Art. Il suo libro più noto è Real Dreams, del 1976, in cui scrive:“quello che non posso vedere è infinitamente più importante di quello che posso vedere… i fotografi dovrebbero dirmi ciò che non so”. Per esprimere l’inesprimibile fotografico, Michals ricorre alla fotosequenza (Photo Story): molte delle sue opere sono delle sceneggiature cinematografiche in potenza, benché interrotte da buchi di memoria, da salti logici.

Gordon Matta-Clark, nato nel 1945 a New York e morto nel 1978 a soli 33 anni, ha lavorato sugli edifici. Che non riprende così come sono: li modifica, li taglia, li altera. Scegli vecchi edifici che vanno abbattuti e crea tagli, fori, spaccature, con un lavoro lungo e impegnativo. Poi fotografa il risultato. Chi guarda le sue foto pensa a dei fotomontaggi, che la foto rappresenti qualcosa che non esiste. E invece la forza delle foto di Matta-Clark è che sono incredibilmente reali! Perciò il suo foto-realismo diventa pittoricismo fotografico… 

Sono convinto (sebbene siano in pochi a essere d'accordo con me, lo so) che i luoghi possano narrare storie più efficacemente dei volti e delle espressioni, proprio perché sanno essere eterni e grandiosi e al contempo drammatici e tristi, possono evocare sensazioni e idee, commuoverci e ferirci più di quanto sappia fare un volto. 

Perché il volto è e sarà sempre limitato nel tempo e nello spazio, mentre un paesaggio, per sua natura, è ampio, a volte illimitato, potenzialmente eterno come la nostra incapacità, a volte, dinanzi alle tragedie che avvengono a un passo da noi, di provare la necessaria empatia. E che il paesaggio sia quello della Campania, di Lampedusa, Nizza o Calais davvero poco importa.
 
ll lavoro realizzato da Joel Sternfeld tra il 1993 e il 1996 è di fatto un'esplorazione dell'America, con le sue contraddizioni, che ricorda almeno in parte quella di Walker Evans, che è un po' il "padre" della fotografia "narrativa" americana e mondiale. Ma a parte questo "On this site" è un progetto che ci permette di riflettere anche sul potere - e la necessità - della didascalia, o almeno del titolo. 
 
Il progetto di Sternfeld consiste in una serie di fotografie in cui sono rappresentati luoghi più o meno anonimi, anche se a volte famosi, teatro di "eventi significativi" della storia americana: non per forza eventi storici, anzi, quasi mai di tale portata. Si tratta invece di eventi tragici, fatti di cronaca, suicidi, luoghi legati a inquinamento (ad esempio nucleare) o a ingiustizie, e così via.
 
La cosa davvero interessante è che guardando le foto, in nessun caso potremmo intuire tutta la storia: senza didascalia,  il progetto sarebbe, per così dire, "muto" e profondamente incomprensibile. E questo a prescindere dal valore delle fotografie.

Il testo che accompagna la foto sopra è il seguente: "Nel 1868 il Governo Federale cedette milioni di acri di terra delle Black Hills nel South Dakota alla Nazione Sioux. Anni dopo, quando l'oro venne scoperto nella zona, il Congresso ruppe l'accordo e si riprese quelle terre. Nel 1920, lo Stato del South Dakota, nel tentativo di attirare il turismo, commissionò a uno scultore [Gutzon Borglum] di modellare enormi busti sul monte Rushmore. I Sioux considerano ancora le Black Hills come la loro terra sacra. Nel 1980 la Suprema Corte decretò un risarcimento di 17 milioni di dollari più un interesse calcolato a partire dal 1877 come compensazione. Il premio è ora valutato in 300 milioni di dollari, ma i Sioux continuano ancora a rifiutare sia i soldi che la cessione della terra".
 
Una storia di sopraffazione, che ci racconta molto dell'atteggiamento "coloniale" tenuto dagli americani bianchi nei confronti dei popoli indigeni. La foto è particolarmente riuscita perché ci mostra un aspetto particolare di un luogo stra-fotografato. Ma questi due aspetti difficilmente avrebbero potuto incontrarsi senza la lunga e circostanziata didascalia sopra.
 
In effetti capita di frequente che, quando il fotografo decide di riprendere dei luoghi significativi, ci siano poche possibilità di trasmettere direttamente, col solo linguaggio delle immagini, il concetto di fondo. In effetti le fotografie hanno una capacità narrativa poco efficace, se prese da sole. E' invece incredibile quanto - una volta affiancate da accorte parole - possano sbocciare e dirci un'infinità di cose, emozionarci e renderci la comprensione di eventi anche complicati se non facile, di sicuro più agevole.
 
La domanda che resta è: si tratta di un tradimento della fotografia?

Sono sincero: non so rispondere. Ma a me sembra di no. Anche un dipinto o una scultura possiamo ammirarli per come sono, ma non li comprenderemo davvero senza saperne un po' di più, senza un titolo esplicativo, senza un "didascalia", e questo vale ancor più per l'arte contemporanea. Eppure nessuno accusa Picasso di aver dipinto qualcosa di inesplicabile nel momento in cui ha concepito "Guernica", il cui tema è oggi chiaro solo grazie al titolo e alle spiegazioni dei critici d'arte.
 
Così, sapresti dirmi cosa racconta la foto sopra? Si vede un grande albero immerso nella luce dell'alba e dietro una strada. Ci saranno milioni di località così. Eppure questa è la prima foto che Sternfeld ha realizzato per il suo progetto: si tratta di un melo a Central Park (New York) sotto cui venne rinvenuto, il 26 agosto del 1986, il corpo senza vita di Jennifer Levin. Un omicidio, dunque. 
 
Sternfeld passava di là di mattina presto e rimase colpito dalla bellezza della luce, dalla serenità della scena a contrasto con la memoria dell'evento delittuoso. Scommetto che anche tu - com'è capitato a me - ora "vedi" e percepisci queste sensazioni, ora che sai "tutto". Ma senza queste note, sarebbe davvero stato difficile arrivare a comprendere pienamente la foto, non trovi?

Altro esempio. Tra gli anni '20 e gli anni '50 l'esercito americano e la Hooker Chemical Corporation scaricarono nel Love Canal, a Niagara Falls (New York), almeno 200 diverse tipologie di sostanze chimiche altamente tossiche, molte delle quali contenevano diossina, che ben conosciamo anche in Italia. 
 
Nel 1953 la Hooker ricoprì la discarica chimica e vendette il terreno, tra l'altro anche al Niagara Falls Board of Education (corrispondente a un nostro Provveditorato agli Studi) che vi costruì una scuola. L'azienda fece sottoscrivere ai compratori un contratto in cui si specificava che non sarebbe stata ritenuta responsabile per qualsiasi danno fosse accorso negli anni a seguire. 
 
Negli anni '70 si verificarono innumerevoli casi di bambini nati deformi e una quantità abnorme di tumori in tutta la zona. Alla fine lo stato di New York acquistò oltre 500 case prossima all'area inquinata e trasferì tutti i residenti in zone più sicure. Nella foto vediamo appunto una delle casette che da allora giacciono abbandonate nella "terra dei fuochi" americana.
 
Storia davvero triste, ma guardando alla foto avresti mai potuto comprenderla? Ovviamente no. Ma se leggi le righe qui sopra e guardi alla foto, la magia avviene. Il testo e la foto dialogano, ognuno giustifica l'altro, lo motiva, lo rafforza.

Naturalmente questo significa che un simile progetto va concepito avendo bene in mente il "canale" con cui verrà diffuso. Una mostra è certo meno adatta di un libro, perché difficilmente le persone leggono testi lunghi mentre visitano una galleria o un museo.

​Ma il libro fotografico è in tal senso assolutamente perfetto. Mi permette di guardare le foto e leggere con calma la lunga didascalia e finalmente comprenderle. Trovo che sia come una sorta di "illuminazione", qualcosa di molto "Zen" (foto del libro tratte da Internet).

Ci sono ancora molti che ritengono che le foto dovrebbero parlare da sé, che scrivono S.T. (Senza Titolo) accanto alle proprie opere, che si ostinano a evitare qualsiasi didascalia, che creano libri con sole foto e testi quasi assenti.
 
Rispetto tutte le opinioni, e credo che solo l'Autore possa decidere, e sia dunque libero di scegliere una strada piuttosto che l'altra. Dal punto di vista dello spettatore, però, io credo che poter comprendere in modo chiaro il "messaggio" sia di certo preferibile!

Se non sai quale fotocamera acquistare, forse è perché non hai le idee chiare: non sulle fotocamere, ma sulla fotografia in generale, sulla tua fotografia.

Quello che sto per scrivere in questo post farà arrabbiare qualcuno e deluderà qualcun altro, ma lo considero profondamente vero. 

Quando ho deciso di rinunciare all'auto per passare a una motocicletta come mezzo di trasporto motorizzato, mi sono ritrovato nella stessa situazione in cui si trovano tanti principianti che chiedono consiglio a me su quale fotocamera acquistare. In realtà hanno già deciso cosa desiderano (anche se non va bene per loro), ma vorrebbero avere conferma che la loro scelta sbagliata sia invece giusta. Vorrebbero sentirselo dire da me, intendo. E io li deludo sempre, mannaggia.

Comunque, ora ero io il principiante assoluto: ho sempre amato le motociclette ma non ci capisco nulla. Inoltre il mio budget era molto limitato, cosa che complicava ancor di più la scelta. Dunque ho utilizzato le regolette che invito gli altri ad applicare quando si tratta di scegliere una fotocamera.

Dopo aver analizzato le mie necessità e capacità ho stabilito che la moto da acquistare dovesse avere queste caratteristiche:

• essere economica, date le mie disponibilità, ma comunque di qualità accettabile;
• essere parsimoniosa nella gestione (bollo, assicurazione, tagliandi, ecc.) e nei consumi, anche per motivi ambientali;
• essere leggera, agile, poco impegnativa e facile da portare, visto che sono oltre 35 anni che non guido una moto, e allora era solo una piccola 125 cc;
• essere adatta a terreni misti, visto che vado spesso su strade sconnesse e di campagna.

Ecco, ora passa dalla motocicletta alla fotocamera e ragiona nello stesso modo. Se non sei esperto, una fotocamera evoluta e giocoforza complessa ti renderà la vita difficile, ti farà arrabbiare perché non la "capisci", non trovi mai il comando che ti serve, o sbagli addirittura regolazioni, e il vantaggio di avere una fotocamera "Top" viene meno. Scegli piuttosto una buona "entry level", assolutamente in grado di darti gli stessi risultati 9 volte su 10, a una frazione del costo e dell'ingombro, e soprattutto senza troppe complicazioni.

Chiediti: che uso intendo fare della fotocamera? Se devi realizzare spesso foto 300x400 cm, ok, una medio formato digitale fa per te, ma se più banalmente le foto le utilizzerai per progetti meno impegnativi, tieni conto che una fotocamera da 12-20 megapixel è più che sufficiente per avere stampe molto grandi, anche 70x100 cm. E parlo per esperienza.

Quante foto notturne realizzi all'anno? Se è uno sfizio da togliersi una tantum, che senso ha puntare su fotocamere Full Frame in grado di scattare a 6400 ISO senza rumore? Tieniti un po' di rumore e divertiti lo stesso!

Viviamo in una società in cui si crede (ci fanno credere) che per ogni esigenza ci sia una specifica risposta, e che tale risposta sia sempre e comunque la più costosa, la più dispendiosa, la più impegnativa. Laddove basterebbe una microcar ti consigliano un SUV, dove sarebbe ampiamente sufficiente una casa di 60-70 mq ti spingono a fare un mutuo a vita per una villetta di 200 mq con giardino (che poi dovrai curare), per non parlare del vestiario, per cui anche per fare una passeggiata devi esibire camicie e pantaloni da top-model.

E' ovvio che chi produce e vende queste merci abbia tutto l'interesse a convincerti che per conseguire degli obiettivi avrai bisogno di attrezzature "adatte" ma credimi: solo tu puoi sapere davvero cosa ti serve, se solo fai un'analisi ponderata e scevra da condizionamenti.

Ricordati un'ultima cosa: un tempo, acquistavi una fotocamera e delle ottiche ed erano per sempre.Beh, quasi.

Dunque, investivi nella migliore Leica possibile, o in una Nikon o Canon, o Pentax di altissima gamma, sapendo che quell'attrezzatura magari l'avresti passata ai nipoti.

Oggi purtroppo non è più così. La tecnologia digitale non dura e non è facilmente riparabile: se capiti nel mio garage ti faccio vedere la piccola serie di Nikon che hanno deciso di suicidarsi, dopo un intenso uso (è vero) ma comunque senza particolari maltrattamenti. Ho anche un'Olympus il cui display è morto da tempo. E ricordo una volta che ho avuto un problema con una Canon G9: ripararla costava più che sostituirla e dunque è diventata un bel soprammobile.

Il punto debole di ogni fotocamera - analogica o digitale - dovrebbe essere l'otturatore ma a me non è mai capitato che una tendina si bloccasse, si è sempre trattato dell'elettronica. Lo so che molti sostengono che l'elettronica sia più affidabile della meccanica, ma io ne dubito, soprattutto quando hai a che fare con umidità, sbalzi di temperatura, polvere e cose del genere. 

Insomma, non voglio per forza passare per il solito pauperista nemico della tecnologia e delle fotocamere costose (anche se un po' lo sono, sapevatelo), vorrei solo spostare l'attenzione dallo strumento al fine da conseguire.

Avere meno aspiranti "Pro" e più "Autori", ecco. Ed è questo che dedicherò i prossimi post, dunque se la pensi come me, come si dice, "stai connesso".

E per "piccolo spazio pubblicità" ti ricordo che di questo parlo da anni con e nei miei libri, che puoi trovare su Amazon o nella pagina Libri di questo sito!


     Le foto che mostrano me stesso all'opera sono di Roberto Maldera e Andrea Bovo